thumb|Bartholomeus Spranger, Hércules, Deyanira y Neso (1580-1585) El manierismo nórdico es el término en la historia del arte para las versiones del manierismo practicado en las artes visuales al norte de los Alpes en el y principios del .Las diferentes definiciones de lo que constituyó el manierismo italiano son notables, y tienen una repercusión a la hora de definir las versiones septentrionales. Para el presente artículo el término se usa con amplitud en el sentido establecido por Shearman (pp. 15-32 en particular), aunque en un sentido más amplio cuando se discute el ornamento. Véase Smyth, y especialmente su Introducción por Cropper para un relato de las diferentes formas en las que se usa el término por los historiadores de arte. Estilos que derivan ampliamente del manierismo italiano se encuentran en los Países Bajos y en otros lugares desde alrededor de mediados de siglo, especialmente la decoración manierista en arquitectura; este artículo se concentra en aquellos tiempos y espacios donde el manierismo septentrional generó su obra más original y distintiva
Los tres centros principales del estilo estuvieron en Francia, especialmente en el período 1530-1550, en Praga desde 1576, y en los Países Bajos desde los años 1580 —las primeras dos fases muy determinadas por el mecenazgo real. En los últimos quince años del siglo el estilo, por entonces ya pasado de moda en Italia, fue difundido por todo el norte de Europa, divulgado en gran parte a través de grabados.
En la pintura tendió a retroceder rápidamente en el nuevo siglo bajo la nueva influencia de Caravaggio y el Barroco temprano, pero en arquitectura y las artes decorativas, su influencia se sostuvo durante más tiempo.Véase, por ejemplo, Simon Jervis, Printed Furniture Designs Before 1650 (Furniture History Society), 1974.
Contexto thumb|Moldura ornamental por encima de una puerta, realizada en estuco, en Fontainebleau, diseñado probablemente por Primaticcio, que pintó la inserción oval. El sofisticado arte del manierismo italiano comienza durante el Alto Renacimiento de los años 1520 como un desarrollo, una reacción en contra, y/o un intento de superar, los logros serenamente equilibrados de aquel estilo. Como explica el historiador del arte Henri Zerner: «El concepto de manierismo—tan importante para la crítica moderna y notablemente al gusto renovado por el arte de Fontainebleau—designa un estilo en oposición al clasicismo del Renacimiento italiano encarnado sobre todo por Andrea del Sarto en Florencia y Rafael en Roma».Zerner, 124.
El Alto Renacimiento era un fenómeno puramente italiano, y el manierismo italiano exigió tanto artistas y un público altamente formado en los precedentes estilos renacentistas, cuyas convenciones eran a menudo abiertamente desobedecidos en una moda de complicidad. En Europa septentrional, sin embargo, tales artistas, y semejante público se encontraban con dificultad. El estilo predominante seguía siendo gótico, y diferentes síntesis de este estilo y los italianos se hicieron en las primeras décadas del por los artistas más conscientemente internacionales como Alberto Durero, Hans Burgkmair y otros en Alemania, y la escuela cuyo nombre lleva a confusión, manierismo de Amberes. de hecho no relacionada, y precedente del manierismo italiano.El término a veces se usa también en arquitectura en arquitectura para describir un estilo diferente, que es manierista. El estilo pictórico se encuentra en su mayor parte antes del año 1520, el arquitectónico después de alrededor del año 1540. El Romanismo se vio más limpiamente influido por el arte italiano del Alto Renacimiento, y aspectos del manierismo y muchos de los mejores exponentes habían viajado a Italia. La pintura de los Países Bajos ha sido generalmente la más avanzada del Norte de Europa desde antes de 1400, y los mejores artistas neerlandeses eran mejores que los de otras regiones para mantenerse al nivel de los logros italianos, aunque yendo a la zaga en la distancia.
Para cada una de las sucesivas generaciones de artistas, el problema se hizo mucho más grave, pues gran parte de la obra septentrional siguió asimilando gradualmente aspectos del estilo renacentista, mientras que el arte italiano más avanzado se había desplazado hacia un mundo de satisfacción afectada y complejidad, que debe haber parecido otro mundo, pero que disfrutó de una reputación y un prestigio que no podían ignorarse.Shearman, 22-24.
Francia thumb|Diana, Escuela de Fontainebleau. Francia recibió una inyección directa del estilo italiano en la forma de la primera Escuela de Fontainebleau, donde desde 1530 trabajaron varios artistas florentinos de calidad para decorar el palacio de Fontainebleau, con algunos ayudantes franceses. Los más destacados fueron: Rosso Fiorentino (Giovanni Battista di Jacopo de' Rossi) (1494-1540), Francesco Primaticcio (c. 1505-1570), Niccolò dell'Abbate (c.1509-1571), y todos ellos permanecieron en Francia hasta la muerte. Esta conjunción logró generar un estilo francés nativo con fuertes elementos manieristas que luego fue capaz de desarrollarse por sí mismo. Jean Cousin el Viejo, por ejemplo, produjo pinturas, como Eva Prima Pandora y Caridad, que, con sus desnudos alargados y sinuosos, bebían palpablemente de los principios artísticos de la escuela de Fontainebleau.Chastel, 219-220. Eva Prima Pandora.. El hijo de Cousin, Jean el Joven, la mayor parte de estas obras no han sobrevivido, y Antoine Caron ambos siguieron en esta tradición, produciendo una versión agitada de la estética manierista en el contexto de las Guerras de religión francesas. La iconografía de obras figurativas era en su mayor parte mitológica, con gran énfasis en Diana, diosa de la caza que era la función original de Fontainebleau, y el mismo nombre que la amante y musa del rey Enrique II Diana de Poitiers y una gran cazadora ella misma. Su atlética figura, delgada y de largas piernas «quedó fijada en el imaginario erótico».Bull, 278.
Otros lugares de Europa Septentrional no tuvieron la ventaja de un contacto tan intenso con artistas italianos, pero el estilo manierista se hizo presente a través de las láminas y los libros, las adquisiciones de obras italianas por los gobernantes y otros,En particular a Francisco I de Francia le regalaron Venus, Cupido, la Locura y el Tiempo de Bronzino. viajaron a Italia, y los artistas italianos individuales trabajando en el Norte.
Gran parte de la importante obra en Fontainebleau se hizo en forma de relieves de estuco, a menudo ejecutados por artistas franceses según dibujos de los italianos (y luego reproducidos en grabados), y el estilo de Fontainebleau afectó a la escultura francesa más fuertemente que la propia pintura francesa. Los grandes marcos de estuco que dominan sus pinturas de inserción con marcados altorrelieves de lazos de cuero, ristras de fruta, y figuras parecidas a ninfas, fueron muy influyentes en el vocabulario de la decoración manierista por toda Europa, divulgadas por libros y grabados de ornamentos por Androuet du Cerceau y otros—Rosso parece haber sido el originador del estilo. La misteriosa y sofisticada porcelana de Saint-Porchaire, de la que sólo sobreviven alrededor de sesenta piezas, trajeron una estética similar a la cerámica.
Aparte del mismo palacio de Fontainebleau, otros edificios importantes decorados en el estilo fueron el castillo de Anet (1547-1552), construido por Philibert de l'Orme para Diana de Poitiers, la amante del rey Enrique II, y partes del Palacio del Louvre El mecenazgo de Catalina de Médicis sobre las artes promovieron el estilo manierista excepto en el retrato, y sus fiestas cortesanas fueron las únicas que se dieron con regularidad en el norte de Europa que podían rivalizar con los intermedios y entradas de la corte de los Médicis en Florencia todos los cuales se basaban intensamente en las artes visuales. Después de un interludio cuando el trabajo de Fontainebleau se abandonó en el punto álgido de las Guerras de Religión Francesas, se formó una «Segunda Escuela de Fontainebleau» con artistas locales en los años 1590.
Praga bajo Rodolfo II
thumb|Bartholomeus Spranger, Minerva triunfa sobre la Ignorancia (1591), «un asombroso maquillaje ... [Minerva] nunca parece tan glamurosa en ningún otro lugar».Bull, 355, quien dice que ella suele llevar «una larga vestimenta y armadura poco manejable».
El emperador Maximiliano II (r. 1564-1576), quien hizo de Viena su capital, tenía gustos humanistas y artísticos, y fue mecenas de varios artistas, los más famosos Giambologna y Giuseppe Arcimboldo cuyos retratos de fantasía realizados con objetos eran ligeramente más serios en el mundo de la filosofía del Renacimiento tardío de lo que hoy parecen. A finales de su reinado ideó un proyecto para un nuevo palacio y justo antes de que muriera el joven pintor flamenco Bartholomeus Spranger había sido llamado desde Roma, donde había tenido una carrera exitosa. El hijo de Maximiliano Rodolfo II fue un mecenas aún mejor que su padre, y Spranger nunca abandonó su servicio. La corte pronto se trasladó a Praga más seguro respecto a las invasiones turcas regulares, y durante su reinado de 1576-1612, Rodolfo iba a convertirse en un coleccionista obsesivo de arte antiguo y moderno, mezclando sus artistas con los astrónomos, relojeros, botánicos y «magos,alquimistas y cabalistas» que Rodolfo también reunió a su alrededor.Trevor-Roper, 87-104, cita atribuida a «su familia indignada» en p. 122.
Las obras de la Praga de Rodolfo estaban muy bien acabadas y refinadas, siendo la mayor parte de las pinturas relativamente pequeñas. El alargamiento de las figuras y poses asombrosamente complejas de la primera ola del manierismo italiano fueron continuadas, y la distancia elegante de las figuras de Bronzino fue mediado a través de las obras del ausente Giambologna quien representaba el ideal del estilo. thumb|left|Adriaen de Vries, bronce de Mercurio y Psique a tamaño real realizado en 1593 para Rodolfo. Los grabados fueron esenciales para difundir el estilo por Europa, Alemania y los Países Bajos en particular, y algunos grabadores, como los más grandes de la época, Hendrick Goltzius trabajaron a partir de dibujos remitidos desde Praga. mientras otros, como Aegidius Sadeler II quienes vivieron en la casa de Spranger habían sido tentados por la misma ciudad. Rodolfo también encargó obras en Italia, sobre todo de Giambologna a quienes los Médicis no le dejaban abandonar Florencia y cuatro grandes alegorías mitológicas fueron enviadas por Paolo VeronésHoy divididas entre el Museo Fitzwilliam en Cambridge, la Colección Frick (con dos) y el Museo Metropolitano de Arte en Nueva York. Otra serie de Veronés, las cuatro «Alegorías del Amor» hoy en la National Gallery de Londres, èstaba probablemente también encargado por Rodolfo. La influencia del emperador afectó al arte de otras cortes alemanas, especialmente Múnich y Dresde donde tenía su sede el orfebre y artista Johann Kellerthaler.
Rodolfo estaba relativamente poco interesado en la religión y «en la Praga de Rodolfo II se produjo una explosión de imaginería mitológica que no se había visto desde Fontainebleau».Bull, 84. Véase también 385-386 para temas mitológicos en el manierismo generalmente. Las diosas estaban normalmente desnudas, o casi, y prevalecía una atmósfera más abierta de erotismo que lo que se encontraba en la mayoría de las obras mitológicas del Renacimiento, reflejando evidentemente los «especiales intereses» de Rodolfo.Trevor-Roper, 116-121, cita 120.