Charles Goeller (1901-1955) fue un artista estadounidense conocido por sus pinturas y dibujos precisos y detallados en los que, según dijo una vez, pretendía lograr «emoción expresada por precisión», Empleando, como escribió un crítico, un «realismo exquisitamente meticuloso» podría tardar un año completo en completar el trabajo en una sola imagen. Al principio de su carrera, logró reconocimiento crítico por sus naturalezas muertas, en las que un crítico vio un «agudeza de genio» trabajando para producir «un logro verdaderamente soberbio de trabajo en equipo entre ojos que ven y manos que hacen». Más tarde, también se hizo conocido por paisajes urbanos en los que empleó planos planos y formas geométricas precisionistas para mostrar las estructuras físicas de sus temas.
Formación artística El padre y el abuelo de Goeller eran ingenieros estructurales que dirigían una exitosa planta de fabricación de hierro y acero en Newark, Nueva Jersey. Al graduarse de la escuela secundaria, Goeller estudió matemáticas, ingeniería civil y arquitectura primero en el Instituto Politécnico Rensselaer y luego en la Universidad Cornell. Después, su abuelo accedió a apoyar cinco años de estudio de arte y arquitectura en Francia. A partir de 1923, recibió instrucción artística de Jean Despujols y otros miembros de la facultad en la École Américaine de Fontainebleau. Durante este período, Goeller también estudió en la Academia de la Grande Chaumière, un pequeño atelier de la orilla izquierda en París.
Carrera artística, años 1930
Después de su regreso a Estados Unidos, Goeller se unió a los jóvenes artistas estadounidenses asociados con la Galería Daniel ubicada en Madison Avenue en Nueva York. En marzo de 1929, la galería incluyó su trabajo en una exposición que también incluyó pinturas de Peter Blume, Preston Dickinson, Elsie Driggs, Karl Knaths y Yasuo Kuniyoshi, Al revisar la exposición, los críticos llamaron la atención sobre una naturaleza muerta suya llamada «Mantel a cuadros». Uno comentó sobre la alta calidad del trabajo y señaló que el paño «se drapeaba astutamente» otro notó su «técnica meticulosa» y «color vibrante» y un tercero vio en ella una tendencia hacia Neue Sachlichkeit.
Al año siguiente, la misma naturaleza muerta apareció en una exposición grupal en el Museo de Arte Moderno. Llamada «Cuarenta y seis Pintores y Escultores Menores de Treinta y Un Años», contenía una mezcla internacional de arte de artistas más jóvenes, incluyendo muchos cuyas carreras florecerían más tarde. Un crítico del New York Times, Elisabeth Luther Cary, elogió la pintura como «un logro verdaderamente soberbio de trabajo en equipo entre ojos que ven y manos que hacen» y otro crítico del Times, Edward Alden Jewell, dijo que su naturaleza muerta, con su «magia de tela», estaba atrayendo mucha atención. El mismo año, Jewell comentó sobre «Brocado azul», una naturaleza muerta de Goeller incluida en una exposición grupal en la Galería Daniel. Llamándola «suntuosa» y «arrebatadora», dijo que su virtuosismo la hacía comparable al trabajo de orfebres del Renacimiento temprano y concluyó: «Aquí, una vez más, en esta solución experta de un problema de pintor, los siglos se convierten en solo un día».
En un artículo leído en la reunión de la Asociación de Arte Universitario en 1931, Alfred H. Barr citó a Goeller como uno de un grupo de jóvenes estadounidenses a los que llamó «Nuevos Objetivistas». Un año después, Goeller exhibió trabajo en una exposición llamada «Escenas y Temas Americanos» organizada por la Asociación de Arte Universitario en la Galería Rehn. Al revisar una exposición grupal en la Galería Daniel en 1931, un crítico se refirió a Goeller y a los otros artistas de la exposición como practicantes de «pintura pura». Con esto quería decir que el grupo enfocaba la experiencia del observador. Dijo que los artistas pretendían atraer la atención del espectador a «lo que yace más allá o debajo o arriba». Otro revisor de esa exposición dijo que una de las pinturas de Goeller en la exposición era «una buena ilustración del uso moderno del color como parte integral de la forma de expresión». En 1933, Goeller mostró naturalezas muertas, estudios de figuras y paisajes en una exposición individual en la Galería Argent. Al revisar la exposición, Howard Devree del New York Times dijo que Goeller había logrado un «logro muy encomiable». Elogió las naturalezas muertas por su uso destacado del color y las texturas de tela notables que pudo lograr, pero sintió que los estudios de figuras no estaban maduramente realizados y los paisajes excesivamente planos.
Habiendo logrado reconocimiento crítico por sus naturalezas muertas a principios de los años 1930, Goeller pintó un mayor número de paisajes durante los años medios y tardíos de la década. Después de unirse al Proyecto de Obras Públicas de Arte, pintó la altamente considerada «Tercera Avenida» en 1934. En un estilo que se identificó como precisionista, esta pintura usó formas geométricas y planos planos para enfatizar «la escala y el poder de la tecnología moderna», según un biógrafo. Siguiendo su empleo en el Proyecto de Obras Públicas de Arte, Goeller se unió al Proyecto Federal de Arte. Posteriormente, un mural suyo ganó un premio en efectivo en una competencia de 1935 y se exhibió en la Liga Arquitectónica de Nueva York.
Carrera artística, años 1940-1950 Durante los años 1940, Goeller fue representado por la Galería Bonestell. Al revisar la primera de sus exposiciones con esa galería, Howard Devree notó un amplio rango en estilo, «desde un realismo casi estereoscópico hasta una impresión brumosa de los prados de Nueva Jersey y dibujos de punto de plata verdaderos de gran delicadeza y perfección técnica». Al revisar la segunda, agregó que Goeller encontraba «belleza reacia» en los paisajes y era capaz de obtener un «estado de ánimo extraño».
Algún tiempo antes de 1943, Goeller dibujó un autorretrato trompe l'oeil titulado «¿Cómo se siente ser un pedazo de papel?». El dibujo hace que parezca como si el ojo del espectador fuera el papel sobre el que desciende el lápiz del artista. Lo mostró en la exposición anual de la Sociedad de Artistas Independientes de 1943, en la Galería Bonestell en 1945, y en exposiciones de museos en 1943, 1949 y 1953. En 1941 y 1942, mostró con un grupo llamado Artistas Modernos de Nueva Jersey. En 1943, Goeller se unió a los Artistas Asociados de Nueva Jersey y mostró con ellos en el Museo Riverside en 1943, 1944, 1947 y 1950.
En 1952, no mucho antes de su muerte prematura, un paisaje de Goeller apareció en la exposición anual de pintura contemporánea del Museo Whitney. Al revisar la exposición, Howard Devree lo listó junto con otros que consideró destacados, describiéndolo como una «interpretación monocromática moody de los prados de Jersey».
Al comienzo de su carrera artística, Goeller dijo que pretendía lograr coherencia en su trabajo y una libertad de exageración. Dijo que deseaba evitar «sacrificios para obtener un efecto». Al final de su carrera, su trabajo se notó por evocar un estado de ánimo generalizado de «soledad melancólica» y poseer un «aspecto inquietante y obsesionante» que confirmaba su creencia en «emoción expresada por precisión».
Profesor de arte Goeller, quien ha sido llamado un «defensor apasionado de la educación artística», fue instructor de arte en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Cornell entre 1931 y 1933 y un instructor en la Escuela de Bellas Artes e Industriales de Newark a principios de los años 1950.
Vida personal Goeller nació en Irvington, Nueva Jersey, el 10 de noviembre de 1901. Su padre, Charles Goeller, nació en 1876 en Alemania y fue traído a Estados Unidos por sus padres en 1879. Aparte de los pocos años en Irvington entre 1900 y 1910, vivió la mayor parte de su vida en Newark. Vivía en la cercana Elizabeth cuando murió en 1961, habiendo sobrevivido a su hijo Charles por seis años. En 1884, el abuelo paterno de Goeller, Frederick Goeller, fundó Goeller Iron Works en Newark, especializándose en estructuras ornamentales. Para 1917, el padre de Goeller había asumido el control del negocio y lo renombró Charles Goeller Steel Co.
En 1942, lo reorganizó nuevamente, esta vez como Charles Goeller, Inc., contratistas en hierro y acero estructural. La madre de Goeller era Hulda Weiss Goeller, nacida en 1878, quien emigró a Estados Unidos con sus padres y siete hermanos en 1883. Tenía un hermano mayor, Leopold, nacido en Newark en 1899, y una hermana menor, Hulda, nacida en Newark en 1907.
Goeller vivió en la casa de sus padres en Newark durante los años 1920, compartió un apartamento en Nueva York en los años 1930, y regresó a la casa de sus padres a principios de los años 1940. Vivió en y alrededor del norte de Nueva Jersey durante el resto de su vida.
Se mudó de Nueva York a Nueva Jersey en 1939 para trabajar en la fábrica de hierro y acero de su padre. Durante la Segunda Guerra Mundial, fue empleado en el departamento de arte gráfico de Fleetwings, una firma que fabricaba aviones y componentes de aeronaves, ubicada en Bristol, Pensilvania. Además de preparar dibujos técnicos, Goeller escribió una caricatura para el periódico tabloide quincenal de la firma, Fleetwing News. La caricatura presentaba a un personaje femenino, Evangeline, quien representaba las contribuciones que las jóvenes mujeres estaban haciendo al trabajo de producción en el frente interno. La contribución de Goeller en tiempos de guerra también incluyó clases nocturnas que enseñó en el Instituto Drexel para ayudar a preparar a los jóvenes para el trabajo en fábrica. Murió en su casa en Elizabeth, Nueva Jersey, el 6 de marzo de 1955.
Otros nombres
El nombre completo de Goeller era Charles Louis Goeller. Firmaba sus obras como Goeller o Charles L. Goeller.
Notas
Referencias
Categoría:Nacidos en Nueva Jersey Categoría:Pintores de Estados Unidos del siglo XX Categoría:Fallecidos en Nueva Jersey Categoría:Profesores de la Universidad Cornell