alt=Black, white and orange drawing of two lively dancers, one in blackface, dressed in country clothes.|miniatura|300px|"Shoe Tickler Rag", portada de la partitura de una canción de 1911 de Wilbur Campbell. La música popular estadounidense es un género del folk contemporáneo que ha tenido un efecto profundo en la música alrededor del mundo. El país ha visto el incremento de estilos populares que han tenido influencia significativa en la cultura global, incluyendo el ragtime, blues, jazz, swing, rock, bluegrass, country, Rhythm and blues, doo wop, góspel, soul, funk, heavy metal, punk, música disco, house, techno, grunge, blackberry y hip hop. Además, la industria musical americana es bastante diversa, apoyando a una variedad de estilos regionales, tales como el zydeco, klezmer and slack key.
Los precedentes distintivos de la música popular estadounidense surgieron a principios del y fue durante el que la industria musical estadounidense desarrolló una serie de nuevas formas de música, utilizando elementos del blues y otros géneros de la música folclórica de Estados Unidos. Estos estilos populares incluían al country, R&B, jazz y rock. Los años 60 y 70 vivieron un importante número de cambio dentro de la música popular estadounidense, incluyendo varios estilos y/o géneros nuevos, tales como el heavy metal, punk, soul e hip hop. Si bien éstos no eran populares, en el sentido al cual se refiere la palabra mainstream (cultura de masas en español), éstos eran comercialmente grabados y se convirtieron en ejemplos de música popular, en contraposición con el folk o la música clásica.
Principios de la música popular alt=Head and shoulders of clean-shaven white male with solemn expression, looking into the camera.|El primer compositor americano popular, Stephen Foster.|113x113px
Las primeras canciones que pueden ser consideradas como parte de la música popular estadounidense, en contraposición con la música folclórica de una región o etnia particular, fueron las canciones sentimentales de parlor, escritas por "Stephen Foster y sus compañeros", así como las canciones de los shows de minstrel, producciones teatrales con música vocal, danza e interpretaciones de comedia. El minstrel incluye instrumentos africanos comunes y danza, así como intérpretes con caras pintadas de color negro, técnica conocida como blackface. A mediados el , las compañías en gira habían llevado su música no solamente a cada parte de los Estados Unidos, sino también al Reino Unido, Europa occidental, África e incluso Asia. Los shows de minstrel eran generalmente anunciados como si la música de éstos perteneciera al estilo afroamericano, si bien esto casi nunca era verdad.
alt= Five figures in blackface, playing musical instruments in a lively, exaggerated manner.|miniatura|izquierda|175px|Portada de partitura de "Dandy Jim from Caroline" escrita por Dan Emmett, Londres, 1844.
Las personas de raza negra habían tomado parte en la cultura popular previa a la época de la guerra civil estadounidense, situada por lo menos en el auge del African Grove Theatre ubicado en la Nueva York de 1820, durante la publicación de la primera música hecha por un compositor negro, Francis Johnson, en 1818. Sin embargo, estos logros aún ocurrieron completamente dentro de las convenciones de la música europea. La primera canción popular de un minstrel fue "Jump Jim Crow" del compositor Thomas "Daddy" Rice, la cual fue interpretada por primera vez en 1832, causando sensación en Londres cuando Rice la ejecutó en 1836. Rice usó un baile que copió de un granjero, con una melodía adaptada de una danza irlandesa. Los elementos africanos incluían el uso del banjo, que se cree derivó de los instrumentos de cuerda de África occidental, así como ritmos acentuados y aditivos. Muchas de las canciones de los shows de minstrel aún son recordadas al día de hoy, en especial aquellas escritas por Daniel Emmett y Stephen Foster, siendo el último, de acuerdo con David Ewen, "el primer gran compositor de Norteamérica, y uno de los autores más sobresalientes del mundo". Las canciones de Foster eran típicas de la era del minstrel en cuanto a su sentimentalismo desvergonzado y su aceptación de la esclavitud. Sin embargo, Foster hizo más que otros compositores del periodo para humanizar a los negros sobre los cuales escribía, tal como se observa en "Nelly Was a Lady", una canción melancólica y llena de dolor en la que un negro lamenta la pérdida de su esposa.
El espectáculo del minstrel marcó un inicio a la larga tradición de la música afroamericana que fue apropiada por las audiencias populares, además de ser la primera forma estadounidense de música en obtener aclamación internacional a mediados del . Como Donald Clarke lo ha comentado, el minstrel muestra "esencialmente música negra, mientras que los actos más exitosos eran de blancos, que por otro lado imitaban canciones y danzas de origen negro y a su vez, los intérpretes de esta raza adoptaban aquellas imitaciones, quienes terminaban así imitándose a sí mismos". Clarke atribuye el uso del blackface como parte del deseo de los americanos blancos de glorificar la existencia brutal de los negros (tanto los libres como los esclavos) a través de retratarlos como individuos alegres y despreocupados, más apropiados para la vida de hacienda y la interpretación de canciones simples y jubilosas, las cuales fácilmente atraían a la gente.
Los shows del minstrel siguieron siendo populares hasta finales del , desapareciendo gradualmente a principios del . En ese tiempo, una forma lujosa y elaborada de teatro llamada extravaganza surgió, comenzando por la obra The Black Crook de Charles M. Barras. Las extravaganzas fueron criticadas por los periódicos y las iglesias de la época porque se las consideraba sexualmente provocativas ya que las mujeres cantaban piezas obscenas vestidas con ropa casi transparente. David Ewen describió esto como el comienzo de la "larga y activa carrera de la explotación sexual" del teatro musical estadounidense y la música popular. Tiempo después, las extravaganzas tomaron elementos de interpretaciones de burlesque, las cuales eran producciones satíricas y paródicas muy populares a finales del .
De la misma manera que la extravaganza y el burlesque, el espectáculo de variedades consistía en una producción cómica y atrevida, popular desde mediados hasta finales del , periodo para el cual esta había evolucionado en el vodevil. Esta forma fue creada por productores como Tony Pastor, el cual intentó motivar a mujeres y niños a asistir a sus shows; éstos dudaban a causa de la multitud tosca y desordenada que había tomado el teatro como parte de su dominio por un largo tiempo. Para inicios del , el vodevil era ya una forma respetada de entretenimiento para mujeres y niños; por otro lado, compositores como Gus Edwards escribían canciones que eran populares por todo el país. Los shows más populares del vodevil eran, al igual que el Ziegfeld Follies, una serie de canciones y sketches que tuvieron una profunda participación en el desarrollo subsecuente del teatro musical de Broadway y las canciones populares de Tin Pan Alley.
Tin Pan Alley Tin Pan Alley fue un establecimiento de la Union Square en la ciudad de Nueva York, el cual se convirtió en el centro más importante para la publicación de música a mediados 1890. Los compositores de esta era escribieron canciones formulaicas, muchas de las cuales eran baladas sentimentales. Durante esta época, un sentido de conciencia nacional se encontraba en desarrollo, dado que los Estados Unidos se convirtieron en una potencia mundial tremenda, especialmente después de la guerra hispano-estadounidense. La creciente disponibilidad y eficiencia de las vías férreas y del servicio postal contribuyeron a difundir las ideas, incluyendo a las canciones populares.
Algunos de los más memorables editores de Tin Pan Alley incluyeron a Willis Woodward, M. Witmark & Sons, Charles K. Harris, así como a Edward B. Marks and Joseph W. Stern. Stern y Marks se encontraban entre los compositores más conocidos de Tin Pan Alley; éstos comenzaron escribiendo juntos como aficionados en 1894. Además de las populares baladas y otras canciones de buen parecer, los escritores de Tin Pan Alley se concentraron en temas provocativos y escabrosos. Las coon songs (traducido como "canciones negras") eran otra parte importante de Tin Pan Alley, derivadas de las "canciones aguadas" del espectáculo minstrel con su "brío y electricidad" traído de la "asimilación del ragtime". La primera canción negra popular fue "New Coon in town", introducida en 1883, seguida de una ola de coon shouter (intérpretes del género) como Ernest Hogan y May Irwin.
Broadway El comienzo del también fue testigo del desarrollo de Broadway, un grupo de teatros especializados en musicales. Broadway se convirtió en una de las locaciones preeminentes del teatro musical en el mundo, y produjo un conjunto de canciones que llevaron a Donald Clarke a llamar la época, la era dorada de la composición musical. La necesidad de adaptar canciones divertidas a las restricciones del teatro y sus argumentos le permitieron y lo motivaron a crecer en el ámbito de la composición, así como al alza de compositores tales como George Gershwin, Vincent Youmans, Irving Berlin and Jerome Kern. Estos autores escribieron canciones que aún son populares, conocidas al día de hoy como The Great American Songbook (el gran cancionero estadounidense).
Las óperas extranjeras eran populares entre la clase media-alta del , mientras que otros musicales de teatro musical incluían a las operetas, óperas de baladas y la ópera bufa. Las operetas inglesas de Gilbert and Sullivan eran particularmente populares, mientras que las composiciones americanas habían tenido problemas para encontrar una audiencia. George M. Cohan fue el primer compositor americano notable del teatro musical y el primero en separarse de la opereta, también memorable en cuanto a su uso de la lengua local en sus obras. A principios del , sin embargo, los dramaturgos negros, compositores y músicos estaban siendo parte del impacto del teatro musical, comenzando con los trabajos de Will Marion Cook, James Reese Europe y James P. Johnson; el primer gran hit musical negro fue Shuffle Along en 1921.
Las operetas importadas y producciones domésticas hechas tanto por blancos, como Cohan, como por negros, como Cook, Europe y Johnson todos tuvieron una influencia formativa en Broadway. Compositores como Gershwin, Porter y Kern hicieron del teatro musical cómico un pasatiempo nacional, el cual contenía un sentimiento distinguidamente americano, el cual no era dependiente de los modelos europeos. La mayoría de estos individuos era judíos, siendo Cole Porter la única gran excepción; todos ellos eran descendientes de inmigrantes del que huían de la persecución del Imperio Ruso, asentados de manera influyente en distintos barrios de Nueva York. Muchos de los primeros musicales fueron influenciados por la música negra, mostrando elementos del primer Jazz, tal con en In Dahomey; los compositores judíos de estos trabajos pudieron haber visto conexiones entre las notas de blues afroamericanas tradicionales y su propia música judía folclórica.