El op art (abreviatura del inglés optical art, lit. 'arte óptico'), es un estilo de arte visual que hace uso de ilusiones ópticas.Artspeak, Robert Atkins, ISBN 978-1-55859-127-1 Suele usarse en la crítica e lhistoria del arte la denominación en inglés, op art, aunque también hay referencias a arte óptico.
Las obras op art son abstractas, con muchas de las piezas más conocidas creadas en blanco y negro. Por lo general, causan en el espectador la impresión de movimiento, de la existencia de imágenes ocultas, de patrones de destellos y vibraciones. En las obras de op art el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente, y por lo que ven combinaciones o repeticiones de formas, figuras o patrones; también se utilizan figuras geométricas simples como rectángulos, cuadrados, triángulos o círculos.
Tras la Segunda Guerra Mundial apareció una nueva generación de artistas abstractos que no solo se preocupaban por comunicar con sus obras un sentimiento, sino que exigían del espectador una participación activa. En esa época el centro artístico ya era, definitivamente, Nueva York.
Son artistas fundadores del op art, Victor Vasarely (Triond, Supernova), Yaacov Agam (con sus cuadros en relieve, como Doble metamorfosis III), Bridget Riley (Current), Jeffrey Steele (La volta), Richard Anuszkiewicz (Iridiscencia), Michael Kidner (Azul, verde, violeta y marrón). Otros artistas que realizaron obras op art fueron Jesús-Rafael Soto, Carlos Cruz Diez, Youri Messen-Jaschin, Julio Le Parc, Zanis Waldheims, Matilde Pérez, Richard Anuszkiewicz, Kenneth Noland, Frank Stella, Josef Albers, Lawrence Poons, Richard Anuszkiewicz, Piero Dorazio, Omar Rayo, Eusebio Sempere, y artistas latinoamericanos de la nueva generación como Cristian Mac Entyre, Fabián Burgos, Karina Peisajovich, Christian Wloch y Abel Ventoso, entre otros.
Historia
Los antecedentes del op art, en términos de efectos gráficos y de color, pueden rastrearse en obras de otros estilos como el neoimpresionismo, el cubismo, el futurismo, el constructivismo o el dada.
La revista Time Magazine acuñó el término op art en 1964, en respuesta al espectáculo de Julian Stanczak Optical Paintings at the Martha Jackson Gallery, para referirse a una forma de arte abstracto (específicamente arte no objetivo) que utilizaba ilusiones ópticas.Jon Borgzinner. "Op Art", Time, October 23, 1964. Algunas obras que ahora se consideran como op art, ya se habían producido varios años antes de la publicación artículo de Time Magazine. Por ejemplo, la obra de Victor Vasarely Zebras (1938) está formada completamente por rayas blancas y negras curvilíneas que no están contenidas por líneas de contorno, y las rayas parecen fundirse y brotar del fondo circundante. También los primeros paneles "dazzle" ('deslumbramiento') en blanco y negro que John McHale instaló en la exposición This Is Tomorrow (1956) y sus series Pandora en el Instituto de Artes Contemporáneas en 1962 muestran ya tendencias de arte proto-op art. Martin Gardner presentó el op art y su relación con las matemáticas en su columna de juegos matemáticos de julio de 1965 en Scientific American. En Italia, Franco Grignani, que originalmente se había formado como arquitecto, se convirtió en un protagonista destacado del diseño gráfico en el que el op art y el arte cinético fueron fundamentales. Su logotipo de Woolmark (lanzado en Gran Bretaña en 1964) es probablemente el más famoso de todos sus diseños.
El arte óptico quizás deriva más estrechamente de las prácticas constructivistas de la Bauhaus. Esta escuela alemana, fundada por Walter Gropius, enfatizaba la relación entre la forma y la función en un marco de análisis y racionalidad. Los estudiantes aprendían a centrarse en el diseño general o en la composición completa para presentar trabajos unificados. El arte óptico también proviene del trompe-l'œil y de la anamorfosis. También se han establecido relaciones con la investigación psicológica, en particular con la teoría de la Gestalt y la psicofisiología. Cuando la Bauhaus se vio obligada a cerrar en 1933, muchos de sus enseñantes huyeron a los Estados Unidos, donde el movimiento se arraigó en Chicago y finalmente en el Black Mountain College en Asheville, Carolina del Norte, donde Anni y Josef Albers finalmente enseñaron.
En 1955, para la exposición «Mouvements» en la galería Denise René de París, Victor Vasarely y Pontus Hulten promovieron en su Yellow manifesto (manifiesto amarillo) algunas nuevas expresiones cinéticas basadas en los fenómenos ópticos y luminosos, así como en la pintura ilusionistica. La expresión arte cinético en esta forma moderna apareció por primera vez en el Museum für Gestaltung de Zürich en 1960, y se desarrolló en la década de 1960. En la mayoría de los países europeos, generalmente incluía alguna forma de arte óptico que usaba principalmente las ilusiones ópticas, como en el op art, así como el arte basado en el movimiento representado por Yacov Agam, Carlos Cruz-Diez, Jesús Rafael Soto, Gregorio Vardanega o Nicolas Schöffer. Desde 1961 hasta 1968, el Groupe de Recherche d’Art Visuel (GRAV) fundado por François Morellet, Julio Le Parc, Francisco Sobrino, Horacio Garcia Rossi, Yvaral, Joël Stein y Vera Molnár fue un grupo colectivo de artistas opto-cinéticos que —de acuerdo con su manifiesto de 1963—, apelaba a la participación directa del público con una influencia en su comportamiento, en particular a través del uso de laberintos interactivos.
Algunos miembros del grupo Nouvelle tendance (1961-1965) en Europa también se involucraron en el op art como Almir Mavignier y Gerhard von Graevenitz, principalmente con sus serigrafías en las que estudiaban las ilusiones ópticas. El término op irritó a muchos de los artistas etiquetados con él, incluyendo expresamente a Albers y Stanczak, que apostaban por una etiqueta mejor, a saber, perceptual art (arte perceptivo).Bertholf. Julian Stanczak: Decades of Light, Yale Press Desde 1964, Arnold Schmidt tuvo varias exposiciones individuales de sus grandes pinturas ópticas de formas en blanco y negro expuestas en la Terrain Gallery de Nueva York.
The Responsive Eye
El Museum of Modern Art de Nueva York montó una exposición llamada The Responsive Eye (El ojo sensible), creada por William C. Seitz, del 23 de febrero al 25 de abril de 1965 y que realizó luego una gira por St Louis, Seattle, Pasadena y Baltimore. Los trabajos expuestos fueron de amplio abanico estilístico, desde el minimalismo de Frank Stella y Ellsworth Kelly, a la suave plasticidad de Alexander Liberman, los esfuerzos colaborativos del Anonima group, junto con los conocidos Victor Vasarely, Richard Anuszkiewicz, Wen-Ying Tsai, Bridget Riley y Getulio Alviani. La exposición se centró en los aspectos perceptivos del arte que resultaban tanto de la ilusión de movimiento como de la interacción de las relaciones de color. La exposición tuvo una gran acogida entre el público en general (más de ), (Available on YouTube in three sections.) pero no tanto entre los críticos que lamentaban que el op art no retratara nada más que trompe-l'œil, o trucos que engañaban a los ojos. En cualquier caso, la popularidad de este arte entre el público aumentó y las imágenes de op art se comenzaron a usar en diversos contextos comerciales. Uno de los primeros trabajos de Brian De Palma fue una película documental sobre esta exposición
Métodos de operación
Blanco y negro y la relación figura-fondo El op art es una experiencia perceptiva relacionada con cómo funciona la visión. Es un arte visual dinámico que deriva de la relación discordante entre la figura y fondo que pone dos planos, el primer y el segundo, en una yuxtaposición tensa y contradictoria. Los artistas crean op art en dos formas primarias. La primera, el método mejor conocido, es crear efectos a través del uso de patrones y líneas. A menudo son pinturas en blanco y negro, o también en grisalla, como en la famosa pintura de Bridget Riley, Current (1964), que apareció en la portada del catálogo de The Responsive Eye. En ella, las líneas onduladas en blanco y negro están cerca unas de las otras sobre la superficie del lienzo, creando una relación volátil entre la figura y el fondo. Getulio Alviani hizo uso de superficies de aluminio pulidas con las que trató de crear patrones de luz que cambiaban a medida que el observador se movía (superficies de textura vibrante). Otra reacción que suscitaban era que las líneas creasen imágenes posteriores en ciertos colores debido a cómo la retina recibe y procesa la luz. Como demostró Goethe en su tratado Teoría de los colores, en el borde donde se encuentran la luz y la oscuridad, el color surge porque la claridad y la oscuridad son las dos propiedades centrales en la creación del color.
Color A partir de 1965, Bridget Riley comenzó a producir arte óptico basado en el color; sin embargo, otros artistas, como Julian Stanczak y Richard Anuszkiewicz, siempre estuvieron interesados en hacer del color el foco principal de su trabajo.Véase Color Function Painting: The Art of Josef Albers, Julian Stanczak and Richard Anuszkiewicz, Wake Forest University, reimpreso en 2002 Josef Albers había enseñado a estos dos practicantes de la escuela Color Function en Yale en la década de 1950. A menudo, el trabajo colorista está dominado por las mismas preocupaciones del movimiento de figuras y fondos, pero tiene el elemento agregado del empleo de colores contrastantes que producen diferentes efectos en el ojo. Por ejemplo, en las pinturas de «Templo» de Anuszkiewicz, la yuxtaposición de dos colores altamente contrastados provoca una sensación de profundidad ilusionista en el espacio tridimensional, pareciendo que la forma arquitectónica está invadiendo el espacio del espectador.
Interacción del color
Exposiciones L'oeil Moteur, art optique et cinetique 1960-1975, Musee D'Art Moderne et Contemporain, Strasbourg, Francia, del 13 de mayo al 25 de septiembre de 2005. Op Art, Schirn Kunsthalle, Frankfurt, Alemania, del 17 de febrero al 20 de mayo de 2007. The Optical Edge, The Pratt Institute of Art, New York, del 8 de marzo al 14 de abril de 2007. Optic Nerve: Perceptual Art of the 1960s, Columbus Museum of Art, Columbus, Ohio, del 16 de febrero al 17 de junio de 2007. CLE OP: Cleveland Op Art Pioneers, Cleveland Museum of Art, Cleveland, Ohio, del 9 de abril de 2011 al 26 de febrero de 2012. Bridget Riley ha tenido varias exposiciones internacionales en los últimos años (por ejemplo, Dia Center, Nueva York, 2000; Tate Britain, Londres, 2003; Museum of Contemporary Art, Sydney, 2004).
Fotografía op art
Aunque son relativamente convencionales, los fotógrafos han tardado en producir op art. En pintura, Victor Vasarely y Bridget Riley producían grandes cantidades de arte y lo mismo se puede decir de muchos artistas digitales, como Akiyoshi Kitaoka. Una de las razones principales de la falta de fotógrafos que hiciesen op art, es la dificultad para encontrar un tema efectivo. László Moholy-Nagy produjo arte fotográfico op art y enseñó la materia en la Bauhaus. Una de sus lecciones consistió en hacer que sus alumnos realizaran agujeros en las tarjetas y luego fotografiarlas.
Otros artistas conocidos por obras op art
y artistas latinoamericanos de la nueva generación como,
Cristian Mac Entyre (1967), artista argentino; Fabián Burgos (1962), artista plástico argentino; Karina Peisajovich (1966), artista argentina; Christian Wloch (1971), artista argentino; Abel Ventoso (1975), artista argentino; , entre otros.
Véase también
Notas
Referencias
Bibliografía Frank Popper, Origins and Development of Kinetic Art, New York Graphic Society/Studio Vista, 1968 Frank Popper, From Technological to Virtual Art, Leonardo Books, MIT Press, 2007
Enlaces externos
Op Art - Tate Gallery Glossary Terms
Categoría:Abstraccionismo Categoría:Movimientos pictóricos del siglo XX